Kunst van de twintigste eeuw in de lente-zomercollecties
IN EEN CONSTANTE WONDERZINE HOOFD praat over trends op het podium die voor de komende zes maanden kunnen worden aangepast aan je garderobe. In dit nummer behandelen we de helderste trend van het seizoen: kunst, die verscheen in de lente-zomercollecties van ontwerpers van Prada tot Prabal Gurung.
Hoe het allemaal begon
De ideeën van de kunstwereld hebben altijd invloed gehad op het ontwerp van kleding en stoffen. In de jaren 1920 beïnvloedden avant-garde en fauvisten onder leiding van Henri Matisse mode, die in de kleding van Paul Poiret kan worden getraceerd. Madeleine Vionne was dol op kubisme en gebruikte geometrische vormen en lijnen in kleding, en de futuristische kunstenaar Ernesto Tayat ontwierp het logo voor haar huis Vionnet. In de jaren 30 kwam de passie voor het surrealisme. Elsa Schiaparelli maakte knopen in de vorm van snoepjes en pinda's en was bevriend met Salvador Dali en Jean Cocteau, die de zijden jurk met kreeften, het jasje, toonde waarin een vrouw afgebeeld was van wie de lange haren langs de mouw en armen rond de taille liepen. Deze en andere ideeën zullen meer dan eens voorkomen in moderne ontwerpers, waaronder het Russisch (denk aan de verzameling van Alexander Terekhov Herfst-Winter - 2013).
De jaren 50 en 60 werden een tijd waarin mode, muziek en kunst met elkaar verweven waren, en de opkomst van kleurentelevisie voltooide de doorbraak van de visuele cultuur. Tegelijkertijd zijn een cultuur van consumptie, replicatie en een massamarkt ontstaan - alles wat tot nu toe zijn positie niet heeft verloren. Jongeren stroomden naar creatieve hogescholen en universiteiten, en in Londen en New York werd het een mode-ontwerper, fotograaf, model, grafisch ontwerper of modeontwerper (en nooit gestopt). Ontwerpers hertraden naar rocksterren (bijvoorbeeld Pete Townsend van The Who of Keith Richards van The Rolling Stones) en kunstenaars maakten posters voor concerten en albumhoezen, want kunst verscheen op elke lantaarnpaal.
De namen van popartiesten weten alles: Richard Hamilton, Roy Lichtenstein, Andy Warhol - zij waren de eersten die de consumptiemaatschappij en de populaire cultuur weerspiegelden, en schilderden af wat mensen hier en nu interesseert (reclame, televisie, goederen uit winkels). De vader van de popart wordt beschouwd als de Brit Richard Hamilton, die de allereerste en meest beroemde collage creëerde: "Dus wat maakt onze huizen vandaag zo anders, zo aantrekkelijk?" in 1956. Roy Lichtenstein experimenteerde met afbeeldingen van strips en cartoons. Andy Warhol, voordat hij artiest werd, werkte als illustrator in alle modieuze redactiekantoren in New York, kreeg de juiste connecties en gaf het groene licht aan de mix van genres. John Cale van Warhol's gesponsorde The Velvet Underground was getrouwd met modeontwerper Betsy Johnson, die onlangs de kledingproductie op 72-jarige leeftijd hervatte. In die tijd creëerde Betsy grappige T-shirts onder het label Youthquake en werkte hij in een van de belangrijkste New Yorkse winkels van die tijd - Paraphernalia op Madison Avenue, die samenwerkte met Edie Sedgwick en Warhol, die op hun beurt papier voor de winkel hadden geschilderd. mini-jurken en shoppertassen (wegwerpkleding kwam toen in de mode).
Het was tijdens de bloeitijd van de pop-art in de jaren 60 dat er behoefte was aan een goedkoop en snel ontwerp - de winkels reageerden snel op de verzoeken van mensen. De Biba-winkel op Abingdon Road heeft bijvoorbeeld wekelijks zijn collecties bijgewerkt - dit is een techniek die nu met succes de massamarkt bestuurt. Twiggy schreef: "Alles ging net zo snel uit de mode als het kwam, maar het was alleen het moderne dat aangetrokken werd, het verdreef alles wat oud was."
Pop art negeren was onmogelijk. Yves Saint Laurent bedacht in respons gebreide jurken met applicaties in de vorm van harten, vrouwelijke profielen en lippen, die Edie Slimane onlangs interpreteerde. Na de Saint-Laurent-collectie "Mondriaan" in 1965 creëerde Stephen Willats een soortgelijke jurk "Changing Sheets", maar dan alleen uit nieuw vinyl. Pierre Cardin experimenteerde met vinyl, en Roy Halston maakte jurken met Warhol's 'Flowers' uit 1964, die Miuccia Prada in de voorjaarszomerscollectie van 2013 citeerde.
In de jaren tachtig opent kunstenaar Keith Haring, bekend van zijn popart graffiti, de Pop Shop in New York, waar hij T-shirts verkoopt met zijn werken. Vivienne Westwood zal ook met Haring werken in de jaren 80 in de Witches-collectie, waar de Brit de werken van de kunstenaar met lichtgevende kleuren zal reproduceren, en vandaag worden de werken van Haring op T-shirts toegepast door het Uniqlo-merk, dat ook een samenwerking publiceerde met het New York Museum of Modern Art. In 1991 zal pop-art zich opnieuw bewijzen: de Italiaan Gianni Versace zal een strakke jurk creëren met een print van stencil acid-gezichten Marilyn Monroe en James Dean, die hulde brengen aan Andy Warhol. Een aanvulling op de onverenigbare kleuren van de jurk zal een bustier in showgirl-stijl zijn, versierd met strass-steentjes en stoffen applicaties. Young Naomi Campbell zal in deze jurk verschijnen, en Condé Nast President Nicolas Coleridge zal opmerken dat de Versace-klant niet belast is met 'hoge moraliteit'.
Hoe dingen die geïnspireerd zijn door kunst nu te dragen
Ontwerpers zijn niet het eerste seizoen om naar kunst te kijken, kledingprints op te zetten, reproducties van beroemde kunstenaars (Bosch en Gauguin worden hier vaak geciteerd) en vervolgens samen te werken met hedendaagse kunstenaars. Dit seizoen werd echter een duidelijke nadruk gelegd op de pop-art, hoewel het niet zonder Gauguin ging (we zagen zijn reproducties in de Aquilano.Rimondi show en in de couture-collectie Maison Martin Margiela). Met de jaren 60 en pop-art is moderne mode gerelateerd en de commercialisering van mode en kunst. De meest opvallende manifestatie van pop-art was de Prada-collectie - Miuccia Prada heroverde het werk van hedendaagse en straatartiesten: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra en anderen. Daarnaast zijn verschillende merken die elegante koppelingen produceren populair geworden: Sarah's Bag heeft werken van Roy Lichtenstein, Yazbukey maakt heldere koppelingen in de vorm van een pakje sigaretten of tandpasta, de Britse Lulu Guinness - in de vorm van lippen. Jean-Charles de Castelbajac, Jeremy Scott en Ashish over popart, de hond heeft gegeten: hier jij en Coca-Cola, en een print in de vorm van preventie op televisie.
Bovendien, Jeremy Scott, citeert in de collectie van het volgende seizoen voor Moschino wrapperjurken, de eerste dingen die in 1956 voor reclame werden gemaakt, namelijk jurken en rokken van de midi-lengte van het Martini-label, volledig versierd met de merklogo's gedragen door de eerste rockfans. rollen voor gratis festivalborrels. Christopher Kane maakt rokken met een print in de vorm van gerepliceerde kleuren, die het werk uit de jaren 60 herinneren. Raf Simons voor Christian Dior gebruikt de techniek van pop-art - logomania. Missoni is geïnspireerd door Japanse strips. Kenzo citeert moderne graphics en schetst met potloden. Prabal Gurung creëert een hommage aan Marilyn Monroe. Preen wordt toegepast op de kledingabstractie.
Verschillende merken werden onmiddellijk geïnspireerd door abstract expressionisme, voornamelijk door het werk van Jackson Pollock en Mark Rothko. In de Chanel-collectie drukte Lagerfeld prints op kleding in de vorm van heldere verfspatten en versierde het de tentoonstellingsruimte met 75 kunstwerken met symbolen van het Chanel-huis; schilderijen, sculpturen en installaties na de show werden verplaatst naar het Grand Palais in Parijs. Voordat Gilles Zander Jil Sander verliet, nam hij ook verschillende bogen met abstracte prints op in haar nieuwste monochrome lente-zomercollectie. Phoebe Failo heeft de collectie Сéline uitgebracht, naar het schijnt, te worden geëvenaard door Fauvism en een grote tentoonstelling "Henri Matisse: The Cut-Outs, die tot september naar Tate Modern gaat. Zelfs Calvin Klein bevat een boog met abstracte prints.
Zoals de Britse ontwerper Jonathan Anderson zegt, die non-profit collecties toont waar critici al lang over nadenken: "Mode is voor mij nooit een kunstvorm geweest, je kunt een kunstenaar en een ontwerper niet vergelijken, zowel mode als kunst worden tegenwoordig gecommercialiseerd." Het verschil is dat kunst niet op de verkoop valt, maar integendeel, in de loop der jaren is het in prijs gestegen, maar een zeldzame jurk komt in het modemuseum terecht.
PAS OP!
Kleine democratische merken houden al lang van kunst voor commerciële doeleinden, maar doen dit meestal op een frontale manier. Pas op voor dubieuze sweatshirts of tassen met reproducties van Bosch, Van Gogh of een blikje Campbell-soep. Als je niet bereid bent om te betalen voor het werk van een groot artiest aan een dure rok, is het beter om dingen te kiezen met abstracte prints - dat zijn er bijvoorbeeld in de Zara-collectie. Een goede aankoop komt voort uit een samenwerking met hedendaagse kunstenaars. En onthoud het belangrijkste: ongewone dingen vergen zorgvuldige bediening: combineer ze met iets minimalistischs en laat de hypertrofische excentriciteit achter bij Joan Aguzarova en Andrei Bartenev.
foto's: Tate Modern, Getty Images (4)