Natalie Leskova over de eigenaardigheden van het lesgeven in designkleding
Natasha Leskova is een zeer jonge ontwerper. Ze maakt eenvoudige dingen met afdrukken van St. Petersburg: St. Isaac's Cathedral, de Neva, en stenen van de Peter en Paul Fortress. Dit eenvoudige idee bracht meteen succes en klanten naar de ontwerper. Het merk Natali Leskova is nu gevestigd in de showroom in het centrum van Sint-Petersburg, in het educatieve huis "Benoit" en leidt de verkoop via zijn VKontakte-pagina. We hebben met de ontwerper gesproken over hoe je een merk alleen kunt maken en hoe Russisch onderwijs in de mode eruit ziet.
Hoe heeft u, een jonge ontwerper, besloten zelf een merk te lanceren?
Ik studeerde aan de Stieglitz Academy bij de afdeling Costume Design. Het was de 4de of 5de cursus, toen het tot het besef kwam dat met het behalen van een diploma niets zal veranderen en dat je moet gaan werken aan je merk, hoe eerder hoe beter. Ik had geluk, ik liep stage bij de Domus Academy in Milaan; Twee weken daar doorgebracht gaf me enorme kennis en ervaring. Ik vestigde de aandacht op het feit dat ze zich in het buitenland concentreren op de praktijk, die ik miste. Daar legden ze me uit wie mijn doelgroep was, hoe ermee te communiceren, welke interactiekanalen er waren, hoe alles correct kon worden gepresenteerd. Daarnaast geven mensen die op het gebied van mode werken daar les. In Rusland worden alleen theorieën onderwezen en gegeven door mensen die al minstens dertig jaar niet in de mode-industrie hebben gewerkt. Daarom hebben ze allebei standpunten en een programma van 20-30 jaar oud.
wreedheid.
Dit is heel triest. In de mode verandert alles elke dag. We moeten constant op de hoogte blijven en stoven. Mensen die uit de industrie zijn getrokken, kunnen niet goed onderwijzen.
Maar is iets dat we goed onderwijzen?
We hebben een sterke school in schilderen en tekenen, met deze kennis is het goed om naar het buitenland te gaan. Je schetsen zijn er voor iedereen leuk, want Europese studenten hebben in plaats daarvan alle knipsels van een of andere kleine Malyaki gemaakt op een computer. We leren de menselijke anatomie goed te begrijpen, maar ze besteden te veel tijd aan deze dingen: ik studeerde zes jaar, vijf van hen gingen naar tekenen en schilderen. Maar hier hebben we geen economie. En hoe zal de ontwerper zijn spullen verkopen, niet begrijpen hoe de prijs is gemaakt? Van hieruit lijkt het mij, alle problemen zijn - jurken van 25 duizend elk van ontwerpers die de eerste collectie produceren. Toen ik begon, kostte mijn jurk 1200-2500, zoals dit.
En hoeveel kost u de kleding van een jonge ontwerper?
Nou ja, voldoende geld. Op zijn minst op gelijke voet met de massamarkt. Het is duidelijk dat veel van de materialen afhangt. Als u onmiddellijk dure materialen gebruikt, mag u niet in de min werken. Maar tegelijkertijd moeten we ons realiseren dat je vanaf de eerste verzameling niet rijk wordt en dat je niet alles in één keer betaalt. Daarom moet je vooruit denken en wat geld investeren, wetende dat ze later weer bij je terugkomen.
Wanneer ben je begonnen, had je een strategie?
Ik verkocht mijn eerste dingen via sociale netwerken. Het was een hele kleine damescollectie: twee pakken, een trui, rokken en broeken, een jumpsuit en verschillende jurken. Nee, niet eens een verzameling, maar gewoon een reeks dingen waarvan we een goede opname hebben gemaakt. Ik begreep meteen dat wanneer je via sociale netwerken verkoopt, het belangrijkste een goede foto is. Het gebeurt vaak dat dingen mooi zijn in het leven en ze zijn erg slecht verwijderd. Dit ontmoedigt kopers. De ontwerper moet eerst de foto verkopen en daarna het ding zelf. Ik nam de collectie af, zette hem op VKontakte en begon vanaf daar de eerste bestellingen te ontvangen. Dingen kosten tussen 2000 en 3000 roebel, en ik naaide alles zelf, omdat de schaal passend was.
Dingen uit de Natali Leskova-collectie
schoenen: Banya Concept Store
Welk advies zou je jonge ontwerpers geven over hoe je je kleding kunt promoten?
Stop niet. Er zijn ook mislukkingen in supersuccesvolle ontwerpers - zowel in termen van verkoop, als in termen van promotie, en in termen van het succes van de collectie. Het belangrijkste is om alles te blijven doen en het de hele tijd te doen, zonder te kijken naar het feit dat iets meer succes heeft en iets minder.
Nu blijf je jezelf naaien?
Nee, nu heb ik een productie. Niet direct van mij persoonlijk - dezelfde mensen nemen orders van andere ontwerpers, maar ze omvatten ook een deel van mijn team: een professionele snijder, een naaister en een ontwerper. Ik kon mezelf nu niet naaien, omdat de volumes niet hetzelfde zijn. Ik ben op zijn beurt bezig met promotie en nieuwe projecten.
Wat voor soort kleding wilde je in eerste instantie maken en hoe kwam je op het idee om dingen te doen met afdrukken van Sint-Petersburg?
Ik wilde altijd kleding maken die comfortabel zou zijn voor meisjes. Iets eenvoudig ontwerp, van goede stoffen, maar met een eigen chip. Op een gegeven moment had ik prachtige foto's van Peter in mijn armen, en ik dacht: waarom zet je ze niet op de rok? Zo werd de eerste rok geboren, "Fontanka", het wordt nog steeds geproduceerd. Nu heb ik een capsulecollectie met afdrukken van Milaan - ik heb ze verzameld voor verschillende uitstapjes. Ik laat enkele dingen buiten de collectie vallen als ik me realiseer dat er behoefte aan is.
Organiseer je shows?
Vertoningen zijn niet mijn verhaal. Ik ben voor presentaties, voor communicatie met klanten, ik vind het veel leuker en naar mijn mening is het logischer. Ik maak kennis met redacteuren, kopers en degenen die ik nodig heb, en de rest zal me vinden bij de ontwikkeling van het merk.
Maakt uw merk winst?
Ja. Toegegeven, ik investeer onmiddellijk alles in verdere ontwikkeling, maar er is winst.
Met welk budget ben je begonnen?
Ik had geen startkapitaal. Het was gewoon geld dat ik niet besteedde aan kleding, aan entertainment, in plaats daarvan kocht ik kleding. Toen kocht ik een beetje, zag eruit alsof alles ging, en bewoog in kleine stapjes. Het had geen zin om te haasten, ik wilde gewoon opstaan. Ik denk nog steeds dat het belangrijkste is om te handelen en niet te stoppen. Als er geen investeerders of groot familiegeld achter je liggen, kun je nog steeds slagen. Op het internet voor dit een miljoen wegen - je kunt mensen je kleding laten zien. Het belangrijkste is om te begrijpen wat je doet en dit op een goed niveau te blijven doen, niet om mensen te misleiden.
Onze studenten hebben geen praktische kennis met betrekking tot de mode-industrie.
Laten we teruggaan naar het onderwijs. Vandaag de dag, elke seconde - een ontwerper.
Dit is waar. Als je jezelf een ontwerper noemt, zal niemand deze titel van je afnemen, maar meestal kost het weinig. Met onderwijs is alles triest. Niet iedereen heeft de mogelijkheid om naar het buitenland te gaan, bovendien kost het ongelofelijk veel geld. Het jaar ervoor was ik in Seliger en zag daar ontwerpers en modeontwerpers uit de provincies, zelfs niet van miljoenen mensen, maar uit heel kleine steden. Ze weten hoe ze moeten naaien, doen een aantal dingen, maar uiteindelijk is er geen smaak in. Het ziet er allemaal triest uit, want waarom doen ze het? We moeten altijd het brein meenemen en adequaat omgaan met het geleverde werk.
Onze studenten hebben geen praktische kennis met betrekking tot de mode-industrie: hoe te verkopen, voor wie - dit zijn belangrijke punten. Ik probeerde met de medestudenten de nieuwste show van Louis Vuitton te bespreken, zodat ze niet eens weten wat Louis Vuitton is, om nog maar te zwijgen over wie de merkontwerpers zijn. Dit is over het algemeen verschrikkelijk - en dit gebeurt in St. Petersburg, en niet in een kleine stad. Of hier hebben we de geschiedenis van de mode geleerd, maar op zo'n niveau dat ik meer leerde van boeken. Het is erg belangrijk om deel te nemen aan zelfstudie, kunst- en mode-albums te kopen, of op zijn minst naar de bibliotheek te gaan.
Welke andere disciplines hebben geleerd?
De eerste twee jaar van de studie was het ons verboden om specifieke kostuums te schilderen. Toen ik dit verbod verbrak, kreeg ik te horen: "Wat is dit Barbie-pak? Ga zitten, twee." En toen, in het derde jaar, begonnen we ons voor te bereiden op industrieel ontwerp - dit is wanneer je een pak schildert, een technische schets maakt, een plank tekent, een rugleuning apart, zodat je met deze schetsen naar de ontwerpers kunt gaan om te praten over de steun van dingen. Studenten kunnen het niet aan en herbouwen, na al deze misverstanden en abstracties in details. Of, in compositie, hadden we taken van dit type: in industrieel ontwerp, neem je een massamarktmerk - Mango of H & M - en maak je een verzameling van 6-7 dingen voor hen.
Waarom de massamarkt? Er is geen ontwerp, het is gewoon basiskleding.
Waarom niet dior? Ik ben bij Dior geweest, maar ze kennen de meeste merken nog steeds niet. We kregen bijvoorbeeld voornamelijk een massamarkt. Er was een leraar die later mijn artistiek directeur werd voor een diploma, dus zei ze regelmatig: "Ga naar Mango, ga naar de Galerij, ga winkelen, kijk eens." Bij sommige klassen keerden we naar het verleden, naar beroemde merken, maar alle voorbeelden eindigden opnieuw in de 20e eeuw, maar er werd niets gezegd over moderniteit.
En verteld hoe je een show maakt, wat is een bowbook?
Nee. Toen ik de woorden "inspiratie", "lookbook" en "mudboard" in mijn vocabulaire gebruikte, hoorde ik als antwoord: "Je kunt dit niet zeggen - geen buiging, maar een beeld." Over het algemeen heb ik tijdens de vijf jaar van mijn studie nooit informatie ontvangen over het maken van een boek, over het combineren en presenteren van mijn spullen. Een diploma, dat is gewijd aan het hele jaar werken, alle studenten naaien in april. Modellen voor zijn demonstratie worden geïsoleerd in beperkte hoeveelheden en zijn verdeeld in de hele kwestie, ze kunnen niet op hun eigen manier worden geverfd of een soort kapsel worden gemaakt. Daarom was ik op zoek naar modellen van de zijkant. We hadden een show in een van de zalen van de academie, alles was slecht: er was geen podium, geen backstage, geen voorwaarden.
Hoe werd het jaarlijkse werk aan de afstudeercollectie gebouwd?
De collectie bevat slechts zeven bogen, dus naaide iedereen in april. In theorie is het systeem dit: in september krijg je een artistiek directeur toegewezen, je begint met hem te werken aan schetsen en selectie van stoffen. In december de eerste show van de rector, waarin je het gekozen onderwerp verdedigt. Ik had een vluchtthema - wolken, lucht, dat is alles. Een meisje heeft een hele verzameling oude parachutes gemaakt. Dit is een typische illustratie van hoe we houden van de avant-garde en niet houden van wat gedragen kan worden.
Zijn de avantgarde ideeën ook specifiek?
Er wordt aangenomen dat hoe meer franjes, hoe beter: 8 mouwen, 50 zakken op een been, steentjes, veren. Ontwerpers met wie ik studeerde, geloofden oprecht dat ze iets nieuws uitvonden. En de leraren prezen hen dat je goed bent gedaan, zoveel werk. Niemand dacht dat je het later niet zou verkopen, en je zou het niet eens een tweede keer kunnen zeggen, omdat het allemaal uit elkaar zou vallen - dat is de kwaliteit van de uitvoering. Tegelijkertijd hadden we onder het verbod het woord 'wearable'. Toen ik zei: "Mijn kleren zijn draagbaar, ze kunnen in het leven worden gedragen." Dit is een eenvoudige set, ik nam deze rok, deed hem aan met deze top, ik nam een jas van hier. "" Alles is zo, "antwoordde ze:" Nee, dat kan ik niet. Er is geen dergelijk woord, ga je concept veranderen. "
Waarom krijgen de Mango-collecties dan les?
Moeilijk te zeggen. Zelfs mijn leraar lijkt te proberen aan te zetten tot dingen waar veel vraag naar is, die verkocht kan worden en die gewone mensen zullen dragen. Maar hoe meer ze het absurde in de collectie zag, hoe meer ze zich verheugde. Het zou grappig zijn als het niet zo triest was.
Natali Leskova
Items ontwerper kan worden gevonden in St. Petersburg:
Showroom Natali Leskova, Kamennoostrovsky Ave., 26/28
Bedankt voor de hulp bij het organiseren van de opnames en interviews met het Aurora Fashion Week-team.